我一生中的大部分時間都在愛上並愛上了博物館。當我10歲的時候，我家中沒有提及藝術。但是後來我的母親開始將我從郊區開車到芝加哥藝術學院。在那裡，她獨自看著藝術數小時，讓我也這樣做。當時，我喜歡一個人，但討厭博物館。我覺得他們已經老了，已經死了，人們剛站著凝視著。但是有一天，等待，無聊，沉思，我發現自己被兩幅顏色鮮豔的舊畫所吸收。在左側，一對牢房內的一對男人站在監獄牢房外面，在牢房內，而附近的一隻令人難以置信的豹子守衛。很長一段時間後，我看著右側面板，設置相同，但時間不同。代替豹子，有一個男人返回一把巨大的血腥劍。牢房內的暈圈男子st著窗台，兩隻手都在窗台上支撐他的身體，伸開了他的脖子，該脖子已被桿割斷。隨著鮮血的流浪，他的頭在地面上，盤子上。我來回看；向左，然後向右。然後有什麼巨大的打擊我。這些圖像在講一個故事。這些畫是從15世紀開始的，就在文藝復興時期的畫家開始理解觀點時。但是他們沒有死，至少在我看著它們時還活著。 1450年代的兩幅繪畫仍然在我身上發揮作用。驚訝的是，我環顧了畫廊，看到大門打開了。我以為每項作品都是一樣的 - 聲音，渴望，痛苦或驕傲，但是在歷史上以視覺舌頭向我講話。我想，也許突然之間的一切都在講一個故事，這是一個故事，我可以通過看（而不去上學）來辨別一個故事。我想永遠在這個活著的地下墓穴中度過。幾個月後，我母親自殺了。直到20多歲，我才回到博物館。
到那時 - 在1970年代，我的背景沒有藝術，只需試點 - 我已經聚集了一個關於博物館應該是什麼的想法。也就是說，一個舊藝術的存儲，保存和慶祝的地方（有時只是任職）。我還知道博物館可能會有問題，他們做出了謹慎的判斷，他們排除了整個重要人群。當然，他們做到了：博物館是作為皇家陳列室發明的，一些非常殘酷的國家（拿破崙的法國，殖民主義者英國）的勝利示威，以聚集更廣泛的世界的文化遺產。當博物館第一次真正來到美國時，這是美國努力通過揮舞著古物和傑作來奪取西方文明席位的努力的一部分（大都會，我們的第一家世界一流的機構本來應該像堂兄弟lovre和大英博物館一樣是百科全書。後來，與媽媽尤其是，博物館本身將成為一種積極的文化外交的部門，將抽象的表現主義作為冷戰運動。因此，我很早就知道博物館不是童話般的地方 - 在大理石牆壁內封閉和策劃藝術史的實踐也封閉了偏見甚至是鮮血。但是我也知道，這些建築物封閉了觸地石，基準，文化骨架鑰匙，分裂，人類想像力的非凡探測以及像喬瓦尼·迪·保羅（Giovanni di Paolo）這樣的傑作，像聖約翰·施洗者（St.實際上，我知道他們包含了欣喜若狂的東西，代表了永恆的東西。
也許這是幼稚的浪漫主義，但是除了強盜男爵的證詞，王子特權，執行公認的口味，殖民主義，更糟糕的是，我仍然看到博物館的柏拉圖式理想：一個數百年來的社區努力，以保存，以保存，解釋，解釋，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，解釋，，，解釋，解釋，，，解釋，，解釋，，，解釋，，，解釋，解釋並與藝術祖先，原型，傳統，流派和方法交流。蘇美爾國王收集了古物（一位學者將第二千年BC片劑解釋為“博物館標籤”）。 3500年前在中國收集和展示。希臘人創建了一個Pinakotheke在公元前五世紀，以紀念眾神。只要記憶與我們同在 - “安靜的汽車”，博物館就與我們同在字紐約時代批評家荷蘭·科特（Holland Cotter），看起來是了解世界和我們自己的一種方式。在過去一直活著的地方，有時甚至比當代時刻更加生動，兩個人融合到了永恆的當前體外優雅。
但是博物館已經改變了很多。在過去的25年中，慢慢地，在過去的十年中很快。這些變化是複雜的，零碎的，有時是矛盾的，不同的博物館以不同的方式擁抱它們。但是轉變到處都是可見的。簡而言之，這是這樣的：博物館曾經是過去藝術的倉庫，所謂的傑作的展示，對現在的長期或壓縮歷史的背景下對現在的有見地的探索。現在- 尤其是由泰特現代，古根海姆·畢爾巴奧（Guggenheim Bilbao）和我們心愛的MOMA所體現的，博物館是新的，現在，下一個，始終激活的事件和經驗的市場，其中許多缺乏的市場除了佔領博物館行業以外的任何理由 - 評論家馬修·柯林斯（Matthew Collings）稱之為“腫又愚蠢，公司主義者，可怕和死亡的行業”。
有趣的房屋景點清單很長。在MOMA，我們已經誇大了，Björk的表演不好和蒂姆·伯頓（Tim Burton），雨室自拍陷阱和Tilda Swinton在玻璃盒中睡覺的日子景象。今年夏天在倫敦你可以騎卡斯滕·霍勒（CarstenHöller）的建築高幻燈片在海沃德畫廊（Hayward Gallery） - 那裡的娛樂房屋是字面上的。在其他地方，它有點“成人”：2011年，洛杉磯的Moca上演瑪麗娜·阿布拉莫維奇（Marina Abramovic）生存MOCA晚餐，一塊巨大的象牙，其中包括裸露的婦女，上面放著骨骼，在餐桌上吃飯。 2012年，洛杉磯縣藝術博物館支付了70,000美元，以21英尺高，340噸博爾德由藝術家邁克爾·海澤（Michael Heizer）撰寫，並將其安裝在博物館前面的水泥溝渠上，以1000萬美元的價格購買了照片OP。去年，芝加哥的當代藝術博物館騎了一個溫馨的大衛·鮑伊（David Bowie）展示儘管如此，這仍未打破目錄，“限量版印刷品”和T恤的出席和銷售記錄。在古根海姆（Guggenheim）最近的許多未關注的眼鏡中，有Cai Gu-Qiang的九輛車懸掛在圓形大廳中，燈光射出。具有諷刺意味的是，這些昂貴的努力是，作品和節目據說是“激進的”和“跨學科”，但是他們產生的經歷更近，實際上，他們與訪問Graceland的訪問更近- “閉嘴，自拍，繼續前進。透明
這樣，一個舊博物館的模型已被另一個模型所取代。博物館的博物館大致是書本，緩慢，有點努力，不避開風險，但要小心，奇怪的是其他，並且致力於反思，鑑賞家，耕種和保存（主要是過去的偉大作品，但也是新作品） - 這些博物館已經變成了對現有收藏的速度更快，無動於衷的機構，並且始終是為了追求新作品，新人群和新資金而進行。我們曾經看過這些地方，例如佳能或佳能的實施例和探索，因為有些（Moma's和Guggenheim的現代主義集合）比其他人更窄，更專業（Met，Louvre's）。但是，無論現在策劃和收集博物館的長期策劃和收集博物館都做得很好 - 許多人仍然做得很好 - 吸收最多能量的機構就是使自己成為奇觀平台的機構，好像是黨派驅動的全球 - 藝術餵食瘋狂的餵養是永久居住在一個地方，一棟建築物永久地居住。另外，可訪問性已成為一切。更多的博物館在網上提供收藏品- 令人遺憾的是，有時在那裡觀看的藝術比在肉體上更好，這要歸功於這麼多糟糕的博物館建築，並且很少的實際空間展示了永久性收藏。大聲疾呼已經變得越來越普遍，儘管他們能做到很多，但似乎他們最重要的功能是人群控制 - 迅速使訪客迅速騰出空間，為下一個百萬提供了空間。
紐約的博物館已經可以接管這種新模式了。而且我們實際上是在開始的開始，而不是轉型的盡頭。曼哈頓的四個大型博物館 - 大都會惠特尼和古根海姆- 已進行或參與大規模擴張，翻新和重建。這些不僅僅是基礎架構的更新：我們目睹了在新的藝術宇宙中進行至高無上的四向競賽，惠特尼正在市區搬到，靠近畫廊區的心臟。莊嚴的大都會接管了惠特尼的舊麥迪遜大街Breuer大樓，利用新空間而不是無與倫比的50個世紀藝術的永久性收藏，而是為了當代作品 - 在其145年的歷史中首次重新構想本身，這是戰後和臨時性的認真競爭者Art Crown（雄心壯志，以其服裝學院的攀登很好地補充，現在的畫廊被命名為紀念時尚主編Anna Wintour）。莫瑪（Moma）在2004年在這個方向上進行了一次翻新，生產了永久收藏的畫廊不足，但派對空間充足。十年來，它正在加倍，建造了一個更糟糕的大廈，其圍繞事件空間為“灰色盒子”和“藝術灣”。古根海姆（Guggenheim）對增加更多古根海姆（Guggenheims）的瘋狂痴迷繼續以阿布扎比（Abu Dhabi）的龐然大物弗蘭克·蓋里（Frank Gehry）繼續進行，大概是在海平面上升之前要完成的。
這一切使這一切都令人震驚的是，這些博物館以前從未有過全力以赴的競爭對手。到目前為止，他們有不同的任務，收藏和策展身份：大都會專業的藝術專業；惠特尼是關於美國藝術的；莫瑪（Moma）是現代主義的伊甸園（Eden）法蘭科島花園；還有古根海姆（Guggenheim） - 好吧，古根海姆（Guggenheim）一直有點困惑，大多數以其令人難以置信的建築而聞名。但是現在，突然，第一次，策展人談到無法進行表演並不罕見，因為“那個藝術家已經被奪走了。”
這些博物館中的每一個仍然保留，收集和展示過去的藝術。但是，憑藉行動和巨額資金集中在當代藝術，畫廊，拍賣，藝術博覽會和雙年展上，每個人都比以往任何時候都更加致力於現在的藝術和新的崇拜。我愛新的。我是那個邪教的成員，部分原因是藝術界已成為我的吉普賽人和夢想家的代孕家族（是的，我是糊狀的）。但是，這種邪教和奇觀的提升可能是我們所知道的博物館的終結，並且是我過去一年與策展人，藝術家，畫廊和收藏家進行的無數對話的主題，他們都承認正在進行的重大轉變。畫家和評論家彼得·普拉格斯（Peter Plagens）說：“問題是博物館試圖像畫廊一樣與當代藝術一樣最新。” “博物館保存的文化距離（塞桑（Cézanne），瓊·米切爾（Joan Mitchell）等之間的距離以及它如何焦點現在（Björk，互動藝術等）比以往任何時候都更大。”正如前威尼斯和惠特尼- 雙年策展人弗朗切斯科·博納米（Francesco Bonami）所說的那樣：“他們就像時尚界的那些只遵循最後一個系列的人，並滿足於表演的表演，看起來像其他博物館的表演。” Plagens說，幾年前，前LA MOCA導演和Impresario Jeffrey Deitch告訴他：“博物館需要年輕的觀眾，而年輕的觀眾希望看到的是活動，無論活動是時裝秀，搖滾音樂會還是展覽開幕式。透明現在？ “我的意思是，他媽的詹姆斯·佛朗哥（James Franco）無處不在，” Plagens說。 “麥莉·賽勒斯（Miley Cyrus）戴著藝術世界的舌頭，策展人是朝臣，博物館是跑道。”當然，他承認：“博物館將生存。但是是什麼形式？”
新的惠特尼（New Whitney）於5月1日開業，由倫佐鋼琴（Renzo Piano）設計，是第一個揭幕的全新博物館，這是一座角度，不對稱的，船形的建築，位於高線的底部，在旅遊國家深處，毗鄰毗鄰藝術市場野獸，世界上最藍片畫廊區，切爾西。此舉標誌著自1966年惠特尼（Whitney）搬進了布魯爾（Breuer）大樓以來，曼哈頓四個主要博物館之一首次放棄了另一個社區的旗艦（1954年，它從原來的西村布朗斯通（West Village Brownstone）搬到了西54街）。市區的遷移本身很重要，即使在市中心返回的地方，開發商為非常富有的開發商建造了博物館的根源，即使市區返回的市區也將使該搬家本身有助於使該地區保持較低的狀態。上東側。就其價值而言，博物館直接在碼頭上看著泰坦尼克號倖存者下船（該船本身將停靠五個碼頭北部）。
該建築物的大膽表明，是的，惠特尼將在新時代生存。但是更好的問題是它是否找到了一種蓬勃發展的方法。而且，信不信由你，我愛上了這座建築物所代表的內容，並以其完美的首演表演，“美國很難看到。”該節目包括大約400位藝術家的600幅作品，這些作品完全來自博物館收藏的21,000多種藝術家，這使我認為該博物館可能只是通過當前的Morass指出了一種方式。
為什麼？讓我們從建築物開始。我不在乎它是什麼樣的。它“足夠討人喜歡”，但是作為藝術愛好者的唯一關注是博物館內部。我是要判斷新的惠特尼外觀，我會說它看起來像醫院或製藥公司。 （（我們的建築評論家賈斯汀·戴維森（Justin Davidson）對新惠特尼的看法。
那裡面是什麼？首先，空間。按照當今的轟炸標準，新的惠特尼很謙虛。這個地方可能會過夜。然而，有很多比博物館以前更多的空間，其中更多的空間將用於展示永久收藏，這是至關重要的。到目前為止，惠特尼（Whitney）的永久收藏中只有微薄的畫廊，大約7,725平方英尺，位於博物館約32,000平方英尺的展覽空間中。五樓的畫廊是改建的辦公室，從不適合該系列。當惠特尼（Whitney）進入布魯爾（Breuer）時，它的收藏中有2,000件作品，並在1970年有105名員工；現在，它有21,000的集合，當它開放時，工作人員為300。專門用於永久收藏。 （在當前被罕見的剩下的肉類加工設施所佔據的相鄰地塊上，還有更多的空間可以索取，您可以感覺到惠特尼已經渴望著。寬闊的松樹地板非常完美。這意味著惠特尼花費了4.22億美元，部分地做了其他三個大曼哈頓博物館沒有做的事情：為較舊的藝術提供更多的空間，並為新藝術提供更好的空間。什麼優雅的解決方案：為什麼要選擇這個地位的博物館？還有其他人。
其次，一支策展人團隊智慧不喜歡當代狂熱 - 在不屈服或俯臥的情況下利用新的能量。如今，博物館及其工作人員是藝術界中充滿感情和欽佩的對象 - 雖然善意似乎是一種無形的品質來讚美博物館，但它確實反映了某些東西，即藝術家對這些人有信心和這個機構（工具性）。這表明惠特尼從過去的錯誤中學到了一種解脫，這是一種解脫，鑑於這裡的惠特尼的路充其量是岩石的 - 包括數十年來嘶啞或高falutin的計劃來擴大其上市建築；在1990年代初（實際上經常被發現）的PC品牌過高；在早期的企業心理和可疑的表演中，在早期的藝術世界中經營藝術界；在不到六年的時間內，其兩名董事的離開。在這些時刻的每個時刻，問題是博物館試圖過於不規則的改變。在2003年，情況如此糟糕，以至於博物館聘請了一位功能較低的導演，我相信惠特尼可能已經丟失了。
實際上，新建築周圍的許多守衛樂觀與博物館的導演亞當·溫伯格（Adam Weinberg）和他的作案手法有關。 60歲的溫伯格（Weinberg）像一位衣衫不起的教授一樣，柔軟的捲發，比他的導演弟兄們更加辛辣專制。像其他頂級博物館導演一樣，他去了威尼斯和Documenta。但是當我在那裡見到他時，那是在開幕後的幾週內，人群和金錢繼續前進。我經常會發現他獨自看藝術，手裡貼上地圖，筆記，在奔跑中吃袋裝的酒店三明治。可以發現他和女兒一起在畫廊中做同樣的事情，沒有三明治。
但是，溫伯格和他的團隊- 最值得注意的是，首席策展人兼副董事唐娜·德·薩爾沃（Donna de Salvo），策展人兼副主任斯科特·羅斯科普夫（ Scott Rothkopf）也以不尋常的方式運作，這要歸功於博物館的異常任務，這是惠特尼（Whitney）似乎是第三個原因非常適合新時代。正如德·薩爾沃（De Salvo）所說：“惠特尼不是一棟建築物。這是一個主意。”這個想法實際上是一個問題，問題是“什麼是美國藝術？”
該任務是一個真正的關鍵。由於這是一個不斷發展的問題，要管理一個不斷發展的藏品，因此該任務使博物館擺脫了許多負擔其競爭對手的義務，尤其是歷史性和周期化。在博物館選擇收集的內容以及如何將新作品集成到舊的演出中，結果更加靈活。大都會人士（MET），即使它擴展到當代藝術中，它仍然保持著直接的世界歷史卓越標準，並且是按照自己的時代和起源來對工作進行分類的非常傳統的趨勢。原則上，MOMA仍然致力於其戰後項目，即封為連續的每一個連續的望遠鏡迭代迭代，這是一個有問題的使命，因為該術語已經失去了很大的意義，而新的運動則在遙遠的怪異，更奇特，更獨特和個人，更獨特和個人，更獨特，個人，個人，更具性感狀態發展。線性時尚少於以前。當這個時代的藝術史寫成時，就不會有很多ISM。
惠特尼幾乎不知道如何與ISM策劃。它成立於1930年，旨在收集，探索，解釋和詢問美國藝術，並一直具有自身的使命感，可以隨著時間的變化而改變（這是其第四個地點！），並允許該機構專門奉獻本身一直是生活藝術家。 （實際上，前三個惠特尼策展人是藝術家。）但是，其策展人還出色地重新構想了他們的新瘋狂時代的使命- 這個時代不僅是由商業定義的，而且還由全球化和百科全書知識定義，這是一個充滿藝術世界，這是一個充滿的藝術世界，充滿了人們可以在線訪問藝術史的每個體現，但他們不知道它是一種狹義的藝術歷史目的論，而不是一堆幾乎是歷史性的原始資料。
惠特尼（Whitney）知道如何與舊作品一起考慮新作品，如何在完全不同的環境中扔在一起生產的碎片並觀看火花飛翔。從需要委託的需要的需要，例如，策展人（或收藏）專門用於Ashcan學校繪畫或流行音樂的房間，策展人可以在數十年的多場演出中與每次不同幾十年的不同繪畫一起懸掛一幅繪畫，並且每次提示另一種算法- 在一種情況下，在使用顏色的情況下，在另一種情況下使用線條，手勢，組成策略，與瘋狂或浪漫主義或城市經驗的關係，與音樂，實質性，過程，電視，電影院或大陸哲學。只要策展人有創造力，該列表就會長。
這第一場演出非常有力地證明優勢。幾十年來沒有看到超過四分之一的作品，而且許多人從未顯示過。效果是通過將新作品帶入自1975年以來出生的人們而將新作品帶入折疊中，以對待這些藝術家及其作品作為持續對話的一部分，並將其旨在不斷重新審查的一種來重新闡述。 。一遍又一遍地，我以為自己認識的作品的藝術家看起來全新，突然相關。第二弦樂者強行邁出了比以往任何時候都更具先見之明和相關的。例如，在諸如de Kooning的狂熱的抽象表現主義傑作的畫廊中看到，令人興奮通往河的門- 也許是目前在博物館中純粹的獨創性的最佳作品 - 羅斯科的巨大繪畫紅色的四個黑暗像佛教電視機一樣散發，赫達·斯特恩的電氣紐約，紐約，1955年用噴漆看起來絕對是當前的。奇蹟般地，阿方索·奧索里奧（Alfonso Ossorio）的划痕和濺起的畫布比傑克遜·波洛克（Jackson Pollock）自己。像這樣的啟示不僅是例外 - 它們是利用當代藝術的新鮮能量為過去的新見解的一種非常重要的方式，而沒有完全將鑰匙移交給博物館到第十大道上的畫廊。
值得慶幸的是，博物館已經賦予了一個非常適合該項目的永久性收藏，這是我認為惠特尼狀況如此良好的第四個原因。每個人都在惠特尼的持股中，我認為該系列不僅是奇異的，而且我們從未真正看過它，也許第一次節目中最令人振奮的事情是策展人似乎是多麼渴望帶來這些作品隱藏了很長時間，與新的作品進行了交談。請參閱Allan D'Arcangelo的麥當娜和孩子，一個空面的圖像喚起了傑基·肯尼迪（Jackie Kennedy），以及馬爾科姆·貝利（Malcolm Bailey）的1969年手繪奴隸船的手繪，將他們的位置佔據了沃霍爾，約翰斯等人的流行傑作牆壁。遇到阿爾瑪·托馬斯（Alma Thomas）鮮豔的零件繪畫火星灰塵（1972年）在惠特尼（Whitney）的同時，她的一件作品懸掛在奧巴馬白宮（Obama White House），只會讓您意識到仍然埋葬在這個據稱較小的收藏中的光學DNA。儘管MoMA正確地在開始故事中給予了Cézanne的驕傲，但Marsden Hartley的Place Pride是並排的繪畫。有了這兩部作品，我們立即與美國藝術家的努力，絕望，意志和個性交流，以應對幾乎無法克服的美學賠率。在這兩幅畫中，我們看到一位藝術家與德國表現主義合成立體主義，但增加了神秘，有遠見的美國曲折。一個抽象的作品的沉思黑人，諸如紅色的紅色，橫幅，正方形和十字架都是哈特利的情人的掩蓋象徵，這是在第一次世界大戰中被殺害的德國軍官。哈特利。我喜歡那個。 I.大米Pereira的醒目，1932年的船隻零件繪畫給了我們幾乎類似Guston的Gaga Gaga Gnarliness。沙龍式的牆壁描繪了1930年代在抽搐中的美國，將阻止您進入軌道。除了愛麗絲·尼爾（Alice Neel）的煤炭和鋼鐵罷工的1935年繪畫外，還有一層樓，還有哈里·斯特恩伯格（Harry Sternberg）1935年的撒旦石版畫南部假期。它描繪了23歲的克勞德·尼爾（Claude Neal）遭受的地獄。他被指控在佛羅里達強姦一名白人婦女。他的私刑是在報紙上做廣告的。 Vigilantes從監獄綁架了他，將他綁在一個柱子上，切斷了他的手指和腳趾，cast割了他，並強迫他吃他的陰莖。然後，他的破碎的屍體被拖到汽車後面，並送到了所謂的受害者的家中。美國是“很難看到。”
這種表演 - 這種博物館的塑造 - 在布魯爾是不可能的，而惠特尼則建立了一個比其他博物館設法的環境更適合它的環境。在某種程度上，這是因為惠特尼具有出色的本能來製定環境，而不是建築物，奇觀，這是樂觀的下一個原因。第一次訪問時，我走進大樓，進入屋頂甲板和露台，上下戶外鋼樓梯，穿過畫廊，停下來，停下來奇怪的是惠特尼（Whitney）的奇蹟：一個工作中的工作中心，劇院，教室，更不用說更好的修復設施，擁有建築物中最佳的景色和空間。我的心臟開始跳動更快，因為我想到這些室外和室內空間實際上可能已經整合了 - 而且外部空間不會因為無聊的幾何雕塑而被偽造的“雕塑法庭”。如果獨奏和組顯示集成這些空間，這將加倍整體的可能性。免費的大堂畫廊是一個夢想，不僅是事後的想法或貧民窟，而且可能成為藝術曝光的引擎。建築物內部的光線非常非凡，景色如此之多，以至於他們成為紐約的索爾·斯坦伯格（Saul Steinberg）的漫畫，以期待美國和世界。他們可能是自拍陷阱，但我愛他們。最重要的是，所有這些似乎都是為藝術和藝術家建造的，這是我樂觀的最後原因，也許是最喜歡一廂情願的人。
博物館是如何從一個沉思的安靜的汽車到商業瘋狂的中心的，該公司需要一個特別尖銳的策展人組，這些策展人賦予了一個特別合適的策展人任務才能負責任地導航？在美國，一個“聯合主義者”人物像先知和柏忌一樣大。就在1990年，當時的藝術界看上去很懷疑 - 古根海姆導演托馬斯·克倫斯（Thomas Krens）當他開始與名人，客戶和營銷人員一起耕種藝術博覽會和雙年展的賺錢的區域時，快速行動，做交易，玩耍，尋找資金，所有這些都可以看出。那時，博物館導演沒有做這樣的事情 - 至少不是那麼公然，歡呼雀躍。很快，他就賣掉了坎廷斯基，查加爾和莫迪格利亞尼的作品，以籌集資金從意大利人數的收藏中購買新的藝術品。 1998年，寶馬承保了克倫斯的大片“摩托車的藝術”。克倫斯（Krens）坦率地詢問和回答：“您能支持一個機構？與之建立關係的人。”當他試圖開設一個古根海姆巴西時，他的博物館介紹了“巴西：身體與靈魂。”隨著中國成為經濟強國，Gugg提出了“中國：5，000年。”這些節目散佈著不一致的混亂。在柏林的某個地方，有一個德意志古根海姆，一個Soho Guggenheim，甚至是位於威尼斯人度假酒店賭場的古根海姆·拉斯維加斯。我認為實際上有一個古根海姆·赫爾辛基（Guggenheim Helsinki）。任何;克倫斯（Krens）著名地說，未來成功的博物館應該擁有“很棒的收藏，很棒的建築……兩個購物機會，兩個飲食機會，通過互聯網的高科技界面以及通過全球網絡進行的規模經濟。”現在有很多人這樣做。
當時，克倫斯被視為違法者。然而，事實證明，他確實是一個先知，第一個看到博物館遠離商業和時尚的喧囂的庇護所，可能會在其中流動。實際上，如果他們想保留成為顧客的全球富人的注意，則可能不得不。 “他們在薄冰上踩踏，”收藏家，作家和畫廊主義者亞當·林德曼警告說。 “在這筆錢和受歡迎程度中，新藝術淹沒了舊藝術。我不是浪漫的，但美好的日子永遠消失了。”
信不信由你，您實際上可以指出博物館世界其他成員所抓住這一願景的那一年。大壩在2000年破裂了。博物館之前曾在巴黎的中心蓬皮杜和德奧爾西市上演了令人愉悅的建築眼鏡。 ，不利- 任何藝術家- 外面- 瑞卡德·塞拉·古根海姆·畢爾巴奧（Serra Guggenheim Bilbao）。但是，巨人主義的新時代在巨大的，國家資助的370,000平方英尺中蔓延泰特現代在倫敦，泰晤士河橫跨博物館的新人行道。 （想像一下紐約的文化信息，建造了一座橫跨河流的橋樑到達博物館 - 泰晤士河現在正在建造。）英國藝術家傑克·查普曼（Jake Chapman ：“泰特人就像一個全面的，善良的父母。它只是說是的。他們沒有表現出藝術是隱含的抵抗力，而是令人愉悅。”傳奇的策展人克拉麗莎·達利姆普（Clarissa Dalrymple）同意：“泰特現代是一個巨大的palpitiite termite Queen：必須餵食才能生產。”
需要餵養的不是藝術，甚至不是人群，而是金錢，尤其是在為藝術提供的公共資金和令人難以置信的競爭壓力的時代，引起了富人的關注。事實是，整個藝術世界在我們眼前發生了變化- 儘管許多人早就知道，每兩年一次的文化，藝術拍賣和藝術博覽會的多重興起意味著一個重大的轉變，但許多人更少看到這對博物館的意義，這對博物館意味著什麼，這似乎總是反對消費主義和郁金香狂熱的堡壘。今年，有一系列有關博物館出售傑作以資助新建築和新收購和涵蓋賬單的故事。最引人注目的是2月份的消息MOMA將在拍賣會上出售1887年的莫奈“受益於收購基金”。但是一個較小的物品使我更加痛苦。上個月，德國的威斯特伐利亞州立博物館宣布，它正在考慮出售喬瓦尼·迪·保羅（Giovanni di Paolo）的聖約翰浸信會小組。這些作品不可避免地會涉及私人收藏家，並永遠出於公眾視野。
所以現在大問題：這一切都不好嗎？對於初學者來說，這並不是全新的。賈斯珀·約翰斯（Jasper Johns）從1958年的第一個獅子座·卡斯特利（Leo Castelli Solo）出售了三幅畫。弗蘭克·斯特拉（Frank Stella）在他的第一場卡斯特利（Castelli）表演之前將作品賣給了莫瑪（Moma）。馬修·巴尼（Matthew Barney）在他的紐約個人首次亮相不到60天后進行了博物館演出。儘管擔心金錢腐敗的藝術，金錢，博物館和現代藝術至少是現代主義的到來以來一直是床夫。儘管持續不斷地混合高低，但藝術和流行文化仍然永遠存在。
新時代的主要問題是，一切都開始看起來一樣，每個人都以相同的方式策劃。那些CarstenHöller幻燈片也在泰特現代以及柏林，紐約和米蘭露面。我記得我以為我在兩週內在三個城市的三場演出中看到了同樣的Shirin Neshat視頻安裝。就像策展人病毒破壞了產生獨創性的骨髓。忙碌的策展人現在從表演到展示，參加彼此的面板，為彼此的目錄撰寫文字，為客戶提供建議，在藝術博覽會和拍賣會上組織展覽，在國際藝術學院任教，法官享有聲望的獎項，他們在這裡捐款，以便給他們錢彼此的寵物藝術家，在藝術雜誌（！）中回顧彼此的演出，然後瘋狂地策劃。他們像收藏家一樣在藝術博覽會上偵察。一看Instagram證實，其中許多人不斷旅行。難怪他們的許多節目看起來都一樣，就像他們在酒店大廳裡被思考，寫在信封的背上，並通過電子郵件發送給助手。在對這種孤立性噩夢的非凡確認中，朱莉婭·哈珀林（Julia Halperin）報告在本月藝術報紙“在2007年至2013年之間，在美國博物館舉行的大型個人展覽中有近三分之一的藝術家只有五個畫廊代表”（Gagosian，Pace，David Zwirner，Hauser＆Wirth和Marian Goodman）。這種外觀類似的單一培養變得更糟。在La Moca，該數字為40％；在MOMA，是45％；在古根海姆（Guggenheim），超過90％。正如博納米（Bonami）所指出的那樣，“博物館想要同樣的藝術，使他們成為傻瓜。如果每個人都是白痴，那麼沒人再是白痴。”
然而，沒有人認為博物館應該停止展示當前的工作。新的是過去的門廳，重新發明，改變了它 - 一種霧氣，刷新和煩惱。否認新的是對此的“死亡纏身”。那麼，這些其他博物館可以從惠特尼的榜樣中學到多少？這不是一個完美的模板，並且可以肯定的是，惠特尼也必須弄亂其中的一些。但是有一些課程：騰出足夠的空間來展示您的永久收藏，並使它們與新的收購（反之亦然）一起工作；專注於質量和原始思維，而不是數量和娛樂；最重要的是，永遠不要忘記博物館的聲譽是在藝術家的背上建立的。如果藝術不是機構的中心，則事實證明該機構無法舉辦。至於惠特尼任務的特殊性，大都會揭開詳細信息它在Breuer建築中的首場演出 - “未完成的”，它將將老式和新手放在一起，從文藝復興時期的大師到現在，Titian到Luc Tuymans。這一消息提前了幾乎整整一年，恰好是在新惠特尼開業之前就進行的。儘管他們有正確的想法，但他們一定一直感到競爭。
“博物館將在歷史和當代之間找到適當的平衡，”創意時間的前瞻性主任安妮·帕斯特納克（Anne Pasternak）向我保證。那些沒有的人 - 他們也可能只是催生新機構。這是以前發生的，結果出色。 MOMA出生於1929年的大都會，無視現代藝術。次年，惠特尼是根據大都會和莫姆·避風的美國藝術而組織的。當這兩個機構在1970年代開始迴避“挑釁性決定”時，像Alanna Heiss這樣的有遠見的人創造了已成為PS1的東西，Marcia Tucker離開了惠特尼並創立了新博物館。這就是爆炸性的博物館無反應的方式。但是，也許，也許，新的惠特尼足夠爆炸，並向我們展示了路。
*本文發表於2015年4月20日的發行紐約雜誌。
